Recensione: In "Amour", mettere sul palco un vincitore della Palma d'Oro

Annuncio

Sostenuto da

Un adattamento del film di Michael Haneke del 2012 al Festival di Salisburgo evita il realismo cinematografico, adottando invece un approccio altamente stilizzato.

Di AJ Goldmann

Il critico AJ Goldmann ha assistito alla prima dello spettacolo a Salisburgo, in Austria.

"Come posso parlare d'amore quando sono morto?" ha una battuta potente in “Amour”, un adattamento teatrale del film di Michael Haneke del 2012, presentato in anteprima domenica al Festival di Salisburgo, in Austria.

L'amore e la morte sono, ovviamente, i due grandi temi dell'arte, ma raramente sono stati messi insieme in modo così inquietante come nel film di Haneke, un ritratto di una coppia di anziani costretta ad affrontare la questione di quando la vita non vale più la pena di essere vissuta. Raccontato nel caratteristico stile severo di Haneke, il film è valso al regista austriaco sia una Palma d'Oro al Festival di Cannes che un Oscar per il miglior film in lingua straniera.

Karin Henkel, la regista dell'adattamento, rifugge il realismo del film, optando invece per una messa in scena artificiale altamente stilizzata e consapevole che raggiunge il suo impatto viscerale attraverso una combinazione di tecniche di straniamento brechtiano, performance emotivamente nude e monologhi biografici scritti da comparse sul palco.

Henkel ha ottenuto un trionfo a Salisburgo due estati fa con “Richard the Kid and the King”, un'epopea travolgente del monarca assetato di sangue di Shakespeare durata quattro ore. “Amour” della regista tedesca – una coproduzione con il teatro Münchner Kammerspiele di Monaco, dove andrà in scena a fine ottobre – è tanto toccantemente tenero quanto cupamente selvaggia era la sua precedente uscita a Salisburgo.

All'inizio della produzione, il palco è dominato da un tunnel bianco, il cui interno incontaminato e asettico viene progressivamente macchiato: le sue pareti scritte con vernice nera acquosa, il pavimento macchiato da uno spesso inchiostro nero che cola sugli artisti e cumuli di terra secca che cade a mucchi dal soffitto. Uno dei personaggi è sdraiato su un letto d'ospedale con struttura in metallo che inizia ad assomigliare a uno strumento di tortura medievale quando viene utilizzato da un'infermiera zelante.

Il tunnel, con le sue associazioni cliniche, viene infine smantellato, rivelando un palco disadorno disseminato di un assortimento di sedie, un pianoforte, aste per microfono e luci di scena. La scenografia di Muriel Gerstner è una costante negoziazione tra sterili oggetti quotidiani (fortemente illuminati da Stephan Mariani) e immagini elementari di terra, acqua e fiori.

Come il film, tuttavia, questa rivisitazione di “Amour” è ancorata alle sue due interpretazioni centrali. A differenza del film, interpretato da due grandi del cinema francese, la versione teatrale è accesa da una dose di casting controintuitivo.

Katharina Bach, che ha appena 38 anni, conferisce una vitalità inaspettata e un profondo pathos al suo ritratto di Anne, un'anziana insegnante di musica paralizzata da un ictus. (Emmanuelle Riva aveva circa ottant'anni quando interpretò lo stesso ruolo nel film di Haneke.) Quella di Bach è un'esecuzione discontinua e tormentata, caratterizzata da un intenso controllo fisico e drammatico. Nei panni di Georges, l'ancora vigoroso marito di Anne, André Jung, 69 anni, porta con sé uno spirito amareggiato e provocatorio che si discosta in modo ponderato dalla sofferta e sottile interpretazione di Jean-Louis Trintignant nel film.

L'adattamento teatrale in lingua tedesca, di Henkel e del drammaturgo Tobias Schuster, è molto fedele alla sceneggiatura francese. Allo stesso tempo, impiegano strategie per defamiliarizzare il pezzo. Il dialogo è intensificato da ripetizioni frequenti, spesso inquietanti. E molte delle didascalie della sceneggiatura vengono lette ad alta voce da due attori, Joyce Sanhá e Christian Löber, le cui agili interpretazioni – nei panni di narratori, infermieri e altri personaggi – si aggiungono all'energia ansiosa e fuori controllo della produzione.

La più grande scommessa di Henkel è stata quella di includere un coro di dodici persone composto da comparse non professionali. Ognuno di loro è anziano, infermo o in lutto e, anche se non parlano molto sul palco, hanno scritto testimonianze commoventi sulla convivenza con condizioni di salute o sulla perdita di persone care a causa di una malattia, che vengono recitate come monologhi dal cast principale. Nelle mani sbagliate della regia, questo tipo di intervento avrebbe potuto facilmente trasformarsi in sentimentalismo. Qui, però, la carica emotiva di queste testimonianze è bilanciata da understatement e sobrietà. Allo stesso modo, la rappresentazione e la discussione dell'eutanasia nella produzione, sebbene a volte scioccante, resiste al moralismo.